Za kurtyną: Stranger Things Pierwszy cień, The Imaginary i Stowarzyszenie Martwych Talentów to tylko niektóre z filmów, które powinieneś obejrzeć w tym miesiącu na Netflix.
Biblioteka filmów dostępnych w serwisie streamingowym Netflix jest ogromna, co dla wielu użytkowników bywa wyzwaniem. Znalezienie idealnego tytułu na dany moment może często wydawać się zadaniem trudnym i czasochłonnym. W odpowiedzi na ten problem, nasza redakcja przygotowała specjalne zestawienie, które ma ułatwić wybór.
Poniżej prezentujemy listę wybranych filmów, które należą do naszych faworytów i są obecnie dostępne w serwisie. Nasze rekomendacje obejmują różnorodne gatunki – od poruszających dramatów, przez rozluźniające komedie, po trzymające w napięciu thrillery. Przygotowane zestawienia mają na celu usprawnienie procesu wyszukiwania wartościowych treści w gąszczu dostępnych tytułów i zaoszczędzenie czasu naszych czytelników.
Dla wszystkich fanów serialu „Stranger Things”, którzy odczuwają pustkę między kolejnymi sezonami spowodowaną długim oczekiwaniem, ten zakulisowy dokument może być idealnym wypełnieniem czasu. Film skupia się na procesie powstawania widowiskowego spektaklu scenicznego „Stranger Things: The First Shadow”, wystawianego na londyńskim West Endzie.
Sam spektakl „Pierwszy Cień” to oficjalny prequel, którego akcja osadzona jest w 1959 roku. Opowiada o tym, jak na pozór senne miasteczko Hawkins stało się punktem zapalnym dla wszystkich nadprzyrodzonych zdarzeń, które znamy z serialu.
Dokument nie zdradza wszystkich szczegółów fabuły czy przebiegu samego przedstawienia (co jest celowe, by nie psuć zabawy przyszłym widzom spektaklu), ale oferuje coś równie cennego: fascynujące spojrzenie na „techniczne czary” i innowacyjne rozwiązania, które pozwoliły przenieść złożony świat „Stranger Things” na deski teatru. Zobaczymy, jak reżyser Stephen Daldry (znany z filmów takich jak „Billy Elliott” czy serialu „The Crown” Netfliksa) oraz legendarna producentka teatralna Sonia Friedman współpracowali bezpośrednio z braćmi Duffer – twórcami oryginalnego serialu.
Film szczegółowo pokazuje, jak cały zespół kreatywny zadbał o to, by spektakl był głęboko zakorzeniony w „lore” i historii uniwersum „Stranger Things”. To unikalna szansa, by zobaczyć z bliska, jak rodzi się magia teatru i jak twórcy serialu i scenicznego prequela łączą siły, by poszerzać ten uwielbiany świat w zupełnie nowej formie.
„The Imaginary” (oryginalny tytuł japoński: Yaneura no Rajā) to chwytający za serce film animowany produkcji renomowanego japońskiego Studio Ponoc, założonego przez byłych kluczowych twórców Studia Ghibli. Obraz, oparty na bestsellerowej powieści A.F. Harrolda pod tym samym tytułem, zabiera widzów w niezwykłą podróż, eksplorując potęgę dziecięcej wyobraźni i bolesną realność dorastania.
Centralną postacią historii jest dziewczynka imieniem Amanda oraz jej ukochany, wymyślony przyjaciel Rudger (w polskiej wersji często Roger). W świecie przedstawionym w filmie, wyobrażeni przyjaciele są tak realni, jak długo pamiętają o nich i potrzebują ich dzieci, które ich stworzyły. Jednak ich egzystencja jest krucha – gdy dzieci dorastają, zapominają o swoich fantastycznych towarzyszach, a ci zaczynają blaknąć, by ostatecznie trafić do mrocznej Krainy Zapomnianych.
Dramat Rudgera rozpoczyna się, gdy Amanda poważnie choruje i nie jest już w stanie widzieć ani kontaktować się ze swoim przyjacielem. Grozi mu nieuchronne zapomnienie i zniknięcie na zawsze. Aby tego uniknąć i znaleźć sposób, by wrócić do Amandy, Rudger musi wyruszyć w niebezpieczną i pełną przygód podróż – przez świat realny, do którego nie do końca pasuje, oraz do tajemniczej Krainy Zapomnianych, gdzie spotka inne odrzucone fantastyczne istoty.
Film porusza głębokie i uniwersalne tematy: siłę wyobraźni jako schronienia i źródła radości, znaczenie pamięci i więzi, nieuchronność zmian związanych z dorastaniem oraz ból utraty i pożegnania z dzieciństwem. Mimo momentami melancholijnego nastroju, jest to opowieść pełna nadziei, odwagi i przesłania o trwałości miłości i przyjaźni, nawet w obliczu przemijania.
Wizualnie „The Imaginary” zachwyca przepiękną, niezwykle szczegółową i często przypominającą ręcznie rysowane obrazy animacją, która jest znakiem rozpoznawczym Studio Ponoc. To poetycka, inteligentna i wzruszająca produkcja, która skłania do refleksji zarówno młodszych, jak i starszych widzów. Film jest obowiązkową pozycją dla fanów Studia Ghibli i wszystkich, którzy cenią sobie ambitne, emocjonalne kino animowane.
Co jeśli życie pozagrobowe opiera się na… straszeniu żywych? W filmie „Dead Talents Society” śmierć przyjmuje formę dosłownego, kapitalistycznego piekła, gdzie utrzymywanie śmiertelników w strachu jest jedyną „ekonomią” i sensem dalszej egzystencji.
W tym kuriozalnym zaświatowym świecie, „duchy” rywalizują o splendor i prestiż, nieustannie wymyślając nowe, bardziej kreatywne i przerażające sposoby na „strachy” wysyłane do świata żywych. Centralnymi postaciami są tu walczące ze sobą Catherine (Sandrine Pinna) oraz jej dawna protegowana, Jessica (Eleven Yao). Obie dążą do osiągnięcia szczytów zaświatowej hierarchii, prezentując coraz to nowsze „talenty” w dziedzinie terroryzowania śmiertelników.
Ich losy krzyżują się z historią Rookie (Gingle Wang) – nowicjuszki, która ma ogromne trudności z odciśnięciem swojego piętna na polu strachu. W świecie, gdzie liczy się tylko efektywność w straszeniu, Rookie ryzykuje całkowite zniknięcie, jeśli nie zdoła szybko zdobyć swojej „nieumarłej twierdzy” i udowodnić, że ma „talent” do przerażania.
Ten tajwański film, za który odpowiada scenarzysta i reżyser John Hsu, to ostra, satyryczna komedia grozy. Produkcja bezlitośnie wyśmiewa współczesne obsesje – od absurdu reality show, przez wszechobecną kulturę „zgiełku” i nieustannej rywalizacji, po systemy opierające się na eksploatacji, przenosząc je w groteskową, zaświatową scenerię.
Opisywany jako tytuł, który „bije na głowę Sok z żuka we własnej grze”, „Dead Talents Society” oferuje mroczne poczucie humoru połączone z inteligentnym, kąśliwym komentarzem społecznym. To oryginalna i przerażająco zabawna propozycja dla fanów kina gatunkowego z drugim dnem.
Coś, co miało być sielskim, weekendowym wypadem Amandy i Claya wraz z dziećmi, Archiem i Rose, do luksusowej posiadłości wakacyjnej, szybko zamienia się w przerażający koszmar. Beztroską atmosferę przerywa nagła i niewytłumaczalna, totalna przerwa w dostawie prądu, odcinająca ich od wszelkiej komunikacji ze światem zewnętrznym.
Sytuacja staje się jeszcze bardziej napięta, gdy w środku nocy do drzwi wracają właściciele domu – George i jego córka Ruth. Ich przedwczesny powrót i opowieści o dziwnych wydarzeniach w mieście natychmiast budzą podejrzenia. Jednak szybko okazuje się, że dzieje się coś znacznie większego i bardziej złowrogiego.
Rosnące, nietypowo zachowujące się stada jeleni gromadzące się przed domem, całkowita awaria wszelkich pojazdów i urządzeń elektronicznych oraz fragmentaryczne doniesienia o chaosie i atakach rozprzestrzeniających się po całych Stanach Zjednoczonych, zmuszają obie rodziny do zmierzenia się z przerażającą prawdą. W obliczu zagrożenia, które coraz wyraźniej wskazuje na potencjalny koniec świata, ci obcy sobie ludzie muszą odłożyć na bok wzajemną nieufność i nauczyć się polegać wyłącznie na sobie nawzajem.
Ten wciągający thriller, będący adaptacją bestsellerowej powieści o tym samym tytule autorstwa Rumaana Alama, może poszczycić się gwiazdorską obsadą, w skład której wchodzą między innymi Julia Roberts, Mahershala Ali, Ethan Hawke, Myha’la i Kevin Bacon. Film świadomie utrzymuje widzów w ciągłej niepewności, podobnie jak jego bohaterów. Wyjaśnia niewiele z przyczyn apokaliptycznych zdarzeń, pozostawiając liczne pytania, nad którymi widz będzie się zastanawiał jeszcze długo po zakończeniu seansu.
„Zostaw za sobą” to gęsty, psychologiczny dramat i thriller, który skupia się na ludzkiej naturze w obliczu katastrofy i kruchości współczesnej cywilizacji, dostarczając zarówno napięcia, jak i materiału do głębokiej refleksji.
Miles Morales (Shameik Moore) w roli Spider-Mana rozwija skrzydła w tej fenomenalnej kontynuacji nagrodzonego Oscarem „Spider-Man: Into the Spider-Verse” (Spider-Man: Uniwersum). Tym razem stawka jest wyższa, a sąsiedztwo pajęczej sieci – wielowymiarowego multiwersum – staje się znacznie większe i znacznie mniej przewidywalne.
Miles zostaje wciągnięty w struktury „Spider Society” – elitarnej grupy Spider-bohaterów z niezliczonych wymiarów, której przewodzi charyzmatyczny, ale i surowy Spider-Man 2099 (Oscar Isaac). Szybko jednak odkrywa, że jego droga jako Spider-Mana nie pasuje do sztywnych reguł czy „nieuniknionych” wydarzeń, które zdaniem Society muszą się wydarzyć w życiu każdego Pająka. Miles staje w obliczu bolesnej prawdy o czekającej go tragedii i wchodzi w konflikt z niemal wszystkimi, aby napisać własne przeznaczenie.
Film jest wizualnie jeszcze bardziej oszałamiający i ambitny niż jego przełomowy poprzednik. Każda alternatywna rzeczywistość – i zamieszkujący ją bohaterowie, tacy jak powracająca Gwen Stacy / Spider-Woman (Hailee Steinfeld), pełen energii Spider-Man India (Karan Soni) czy buntowniczy Spider-Punk (Daniel Kaluuya) – ożywają dzięki unikalnym, charakterystycznym stylom projektowania i animacji. „Spider-Man: Poprzez multiwersum” to podróż niemal niewypowiedzianie pomysłowa i odważna na poziomie realizacji.
Produkcja ta mistrzowsko równoważy czysty, zapierający dech w piersiach spektakl wizualny z mroczniejszymi i bardziej emocjonalnymi dylematami, przed którymi staje Miles. Film nie oferuje łatwych odpowiedzi, stawiając zarówno bohatera, jak i widzów przed trudnymi wyborami i pytaniami o odpowiedzialność, przeznaczenie i to, co naprawdę czyni kogoś bohaterem.
„Spider-Man: Poprzez multiwersum” to dzieło tak błyskotliwe, innowacyjne i wciągające, że oczekiwanie na nadchodzącą trzecią część sagi, „Spider-Man: Beyond the Spider-Verse” (Spider-Man: Poza multiwersum), staje się z każdym dniem coraz bardziej palące dla fanów na całym świecie. To animacja, która na nowo definiuje możliwości gatunku.
Ten radośnie zabawny film o gigantycznych potworach porzuca zrujnowane Tokio czy Nowy Jork na rzecz surowych, malowniczych krajobrazów Norwegii. Za reżyserię odpowiada Roar Uthaug, twórca znany między innymi z filmu „Tomb Raider” z 2018 roku.
Fabuła rozpoczyna się, gdy operacja wiertnicza w górach budzi ze snu tytanicznego trolla – istotę z nordyckich legend. Obudzony gigant wyrusza w niepowstrzymany marsz w kierunku stolicy kraju, Oslo, siejąc zniszczenie i panikę na swojej drodze.
Chociaż główny zarys fabuły i archetypy postaci będą znajome każdemu miłośnikowi kina kaiju, „Troll” wyróżnia się na tle gatunku. Uderzająca nordycka oprawa wizualna i unikalna zdolność tytułowego potwora do częściowego wtapiania się w naturalny krajobraz pozwalają na wprowadzenie imponująco oryginalnych zwrotów akcji i nieoczekiwanych momentów napięcia.
Mimo że film o gigantycznym trollu łatwo mógłby zejść w stronę parodii, Roar Uthaug umiejętnie unika pułapki zadowolonej z siebie autoironii. Zamiast tego dostarcza solidne widowisko, które bawi i trzyma w napięciu, czerpiąc pełnymi garściami z legend, ale podchodząc do nich z odpowiednią powagą i energią.
„Troll” został doceniony jako jedno z najświeższych podejść do gatunku gigantycznych potworów od lat. Co więcej, z zapowiedzianą kontynuacją, która ma pojawić się jeszcze w 2025 roku, teraz jest idealny moment, aby nadrobić lub ponownie obejrzeć to unikalne, norweskie dzieło. To doskonała propozycja dla fanów kina akcji i fantasy, szukających czegoś więcej niż tylko efektownego burzenia miast.
Wiecznie przegrany, niedoszły zły władca świata, Plankton, wreszcie zdobywa szansę, by stanąć w centrum uwagi w swoim własnym filmowym spin-offie! W „Plankton: Film”, maleńki geniusz zła w końcu wydaje się być o krok od realizacji swojego marzenia o przejęciu kontroli… tylko po to, by natychmiast stracić główną rolę na rzecz swojej robotowej żony, Karen. Okazuje się, że Karen ma własny, znacznie bardziej ambitny i przebiegły plan dominacji nad światem.
Zmuszony przez okoliczności do zawarcia niezwykłego sojuszu ze swoim największym arcywrogiem – SpongeBobem Kanciastoportym – Plankton staje w obliczu wyzwania większego i trudniejszego niż kradzież legendarnego przepisu na Krabby Patty: musi nauczyć się… słuchać swojej żony.
Chociaż filmy o SpongeBobie bywały różne, „Plankton: Film” to urocza i naprawdę zabawna wycieczka do podwodnego świata Bikini Dolnego, tym razem z perspektywy czarnego charakteru. Produkcja z ogromnym wyczuciem buduje i spłaca „dług” 25 lat historii serialu, zgrabnie wplatając liczne żarty i nawiązania do kultowych momentów oraz internetowych memów związanych ze SpongeBobem. Film doskonale balansuje na cienkiej granicy, będąc przystępnym i zabawnym dla całej rodziny, a jednocześnie oferując metatekstowy humor i „łamanie czwartej ściany” skierowane do starszych, długoletnich fanów.
Wrażenia wizualne potęguje imponujące wykorzystanie wielu stylów animacji oraz wplecione sekwencje z udziałem żywych aktorów, co czyni „Plankton: Film” produkcją dynamiczną i atrakcyjną dla oka.
To udany spin-off, który oferuje świeże spojrzenie na uwielbiane postacie i zapewnia mnóstwo inteligentnego humoru, będąc doskonałą rozrywką zarówno dla najmłodszych, jak i dla pokolenia wychowanego na przygodach mieszkańców Bikini Dolnego.
Zanim zdobył międzynarodową sławę i Oscary za „Parasite”, koreański reżyser Bong Joon-ho dał się poznać między innymi dzięki filmom z udziałem niezwykłych stworzeń. Chociaż jego „The Host” z 2006 roku pozostaje cenioną pozycją, film „Okja” z 2017 roku, opowiadający o inżynierii genetycznej i eksploatacji zwierząt, może być uznany za szczytowe osiągnięcie reżysera w tym gatunku.
Historia skupia się na młodej Miji (w tej roli Ahn Seo-hyun), mieszkającej na wsi w Korei Południowej, która pomogła w wychowaniu Okji – niezwykłego, ulepszonego genetycznie „super świni”, stworzonego w ramach globalnego eksperymentu. Mija i Okja tworzą głęboką i niezwykłą więź. Jednak spokój zostaje brutalnie przerwany, gdy amerykańska firma Mirando, stojąca za stworzeniem Okji, przybywa, aby odebrać zwierzę w celu wykorzystania go na masową skalę.
Zrozpaczona Mija nie poddaje się. W desperackiej próbie uratowania swojego nietypowego zwierzęcego przyjaciela, wyrusza w niebezpieczną podróż, która prowadzi ją aż do Nowego Jorku, gdzie znajduje się siedziba korporacji Mirando. W swojej misji Mija sprzymierza się z grupą aktywistów z Frontu Wyzwolenia Zwierząt.
„Okja” to film miejscami mroczny i satyryczny, który w unikalny sposób udaje się eksplorować złożone tematy, takie jak eksploatacja zwierząt, etyka inżynierii genetycznej i ochrona środowiska, a wszystko to bez poczucia, że twórcy narzucają swoje poglądy czy „kaznodzieją”.
Film Bonga Joon-ho jest porównywany do „Soku z żuka” ze względu na swój specyficzny humor i podejście do nietypowej tematyki, ale wnosi własny, świeży i kąśliwy komentarz społeczny. To poruszająca, porywająca i skłaniająca do refleksji opowieść, która potwierdza talent reżysera do łączenia gatunków i komentarza społecznego w niezapomniane dzieła filmowe.
Kiedy asystentka pielęgniarska Ruth Kimke (w tej roli Melanie Lynskey) wraca do domu i odkrywa, że jej mieszkanie zostało okradzione, sama strata rzeczy, choć bolesna, nie jest dla niej punktem krytycznym. Ten moment następuje później, gdy staje w obliczu obojętnych, przestraszonych sąsiadów, którzy ewidentnie nie mają zamiaru się angażować ani pomóc.
Przytłoczona poczuciem naruszenia prywatności i frustracją spowodowaną ludzką apatią, Ruth postanawia sama szukać sprawiedliwości. W tej desperackiej misji pomaga jej outsider, ekscentryczny Tony (genialnie zagrany przez Elijaha Wooda), który – co warto zaznaczyć – ma zamiłowanie do nunchaku.
Decyzja Ruth o samodzielnym ściganiu złodziei i wymierzaniu sprawiedliwości szybko przeradza się w katastrofalny i momentami absurdalny eksperyment z mścicielską wendetą. Film stanowi gorzkie, ale przenikliwe i ponure spojrzenie na współczesne życie, w którym brak empatii i obojętność popychają zwykłych ludzi do ekstremalnych działań.
To ostra, satyryczna komedia grozy, która bezlitośnie wyśmiewa wszechobecną apatię. Ostateczny cel Ruth najlepiej podsumowuje jej dosadna odpowiedź na pytanie „czego chcesz?”, która brzmi po prostu: „Aby ludzie nie byli dupkami”.
„Już tu nie mieszkam”, będący debiutem reżyserskim Macona Blaira z 2017 roku, był jedną z wczesnych oryginalnych produkcji Netflixa. Do dziś pozostaje jedną z najmądrzejszych i najcelniejszych czarnych komedii dostępnych na tej platformie, oferując widzom zarówno śmiech, jak i materiał do gorzkiej refleksji.
Na pierwszy rzut oka, film „Dwóch papieży” (oryginalny tytuł: „The Two Popes”) może wydawać się nietypową propozycją kinową – to w końcu opowieść o dwóch starszych mężczyznach w sutannach, którzy przede wszystkim rozmawiają i spacerują. Jednak dzięki dwóm wybitnym kreacjom aktorskim Jonathana Pryce’a i Anthony’ego Hopkinsa, wspartym znakomitym scenariuszem autorstwa Anthony’ego McCartena, to pozornie prozaiczne założenie przekształca się w film głęboki, wciągający i absolutnie wart obejrzenia.
Akcja filmu, luźno inspirowana prawdziwymi wydarzeniami, rozgrywa się w burzliwym okresie po głośnym skandalu związanym z przeciekami z Watykanu. Śledzimy losy kardynała Jorgego Mario Bergoglia, który przybywa do Watykanu z prośbą o przyjęcie przez papieża Benedykta XVI jego rezygnacji.
Ci dwaj mężczyźni reprezentują skrajnie odmienne wizje Kościoła i jego przyszłości. Papież Benedykt XVI (w tej roli Anthony Hopkins) to arcykonserwatysta, kurczowo trzymający się tradycji i doktryny. Z kolei kardynał Bergoglio (grany przez Jonathana Pryce’a) jest postrzegany jako „niebezpieczny liberalizator”, którego progresywne poglądy mogą podważyć wielowiekowy autorytet Kościoła.
Podczas ich pełnych intelektualnego i duchowego napięcia rozmów, dwaj przyszli i obecni przywódcy Kościoła Katolickiego zmagają się ze swoimi różnicami, dzieląc się przemyśleniami, wątpliwościami i nadziejami. Stawką tych kameralnych spotkań jest nie tylko rezygnacja kardynała, ale przede wszystkim przyszłość samego katolicyzmu w obliczu zmieniającego się świata.
Film „Dwóch papieży” to zaskakująco wciągający dramat, który udowadnia, że nawet najprostsza forma – dialog – może być nośnikiem niezwykle skomplikowanych i ważnych tematów. Jeśli doceniasz kino skupiające się na postaciach, inteligentnych rozmowach i kulisach wielkich instytucji (jak choćby ostatni film „Konklawe”), ta produkcja z pewnością zasługuje na Twoją uwagę. To dowód na to, że prawdziwy spektakl może rozgrywać się w sferze myśli i słów.
